Rock of Love: La Comunión de Poison

Sólo de un grupo como Poison se podía esperar que su vocalista terminase en un reality show eligiendo pareja 'para el resto de su vida'. Nadie se lo compró mucho, pero el tipo lo hacía entretenido. Un grupo de chicas sin clase alguna, voluptuosas a ratos y dejando qué desear en muchos otros. Pero Brett Michaels, el tipo al que le debemos perdonar todo de todo porque antes de todo este bodrio estuvo con Pamela Anderson filmándose previo a Tommy Lee, las trataba a todas como reinas en su castillo de "metal". Muchas muecas a la vergüenza de los pelos en gel y brillantina en rosa de los '80s, pocas canciones de Poison y mucho bikini guateando. Bueno, la vida es más así que otra cosa. Lo que sucede es que uno esperaba más glamour de este cuento. Las mujeres se desvivían por estar con Brett. Todas groupies, no se podía tomar a nadie en serio, pero las chicas lo lograban. Llamaban la atención de su objetivo y entretenían a la vez. No había necesidad de competencias sucesivas, puesto que si no había nada qué hacer, ellas mismas lo inventaban y armaban el codiciado premio de la cita con Brett. Al final Brett botó a un cuerpo fabuloso que fue por las cámaras, a una fan erótica y desquiciada capaz de romperle el cuello a su pareja en ataque de celos, a un tanque ruso muy bien armado capaz de hacer pasar peripecias nunca vistas en el ring, a una pendex que cualquiera hubiese querido domar para el resto de los días, a una stripteasera sin fallas más que en su cabecita y se quedó con la señora bien. Nadie entendió nada. Si bien era la más inteligente, claramente el bueno de Brett sería incomprendido a la larga por esta chica de juegos de salón y paseos al mall con los niños. Habrá que ver en qué parada estará Brett y si ya a sus 45 era lo que necesitaba. Le deseo lo mejor. El Rock del Amor terminó su 2ª gira.

La electrónica es parte del Rock: The Chemical Brothers

El sueño de un perno es tener lo que tiene el popular. Eso es un hecho de nuestras tradiciones. Mientras ellos se dedican a pasarlo bien y tener chicas hermosas a su lado, el perno estudia y prepara el terreno para el futuro. Eso es también un hecho: el pasto del perno es siempre más verde, mientras más viejo se hace el perno. Lo indicaba Bill Gates, incluso. Pero no conocía de esos ejemplos en el Rock, hasta que apareció Chemical Brothers. ¿Quién iba a pensar que esta pareja de pernos regiría la electrónica con tintes de RockStars? Estos chicos mandan en los controles y no hay nada que los pare. La historia muestra que siempre estuvieron ligados a la música sin mucho éxito. Crecieron con sonidos de New Order o Kraftwerk y se hicieron adultos musicales con Public Enemy. Una mezcla exquisita para lo que sería el resultado. Tom Rowlands y Ed Simons comenzaron a pinchar discos en 1992 con mucho hip hop, techno y house. Pero esa mezcla nunca los dejó satisfechos. Si bien la música les fascinaba, no era ese sonido el que ellos querían imponer. Y comenzaron a grabar sus propias pistas para grupos brit como Primal Scream o Manic Street Preachers. Con eso lograron la atención de Noel Gallagher o Paul Weller, los cuales prestaron difusión al Big Beat fundado por los en ese entonces Dust Brothers. Noel trató de replicar algo de ello con Saturn 5 en Inspiral Carpets, pero poco y nada más que un hit radial fue la conclusión. Había sed de más. Había cancha, pero el gol no salía. Hasta que se cambiaron el nombre por líos legales y lo que pasó de ahí en adelante no sorprende. Meter por ejemplo al vocalista de New Order a cantar un remix como Out Of Control o remezclar a Kylie o a Spiritualized son sólo algunos detalles. El grupo es de los pocos que hace conciertos, recordemos que sólo son DJs. No sé de otro grupo con tal resonancia mundial en este estilo. Hasta ganaron un Grammy de Rock Instrumental por Block Rockin' Beats. Yo fui al evento White Sensation en la Estación Mapocho a comienzos de este 2008 y no me divertí para nada. Estuve harto rato. La música prendió con Nirvana y Smells like Teen Spirits en versión Remix, pero no se comparó a llegar a mi departamento y poner sólo a medio volumen Let Forever Be. Mensaje: "Pavimenta el futuro, el pasado ya pasó".

Y el reloj tocó el Cielo: 22 20s

De cuando en cuando la escena musical británica saca algún hijo de vecino a ser megaestrella del rock. Eso no es novedad. Pero que salgan grupos de rock que tienen la pasta para ser ultra secos, eso no sucede todos los días. Grande fue mi sorpresa cuando al adquirir el DVD Later con las mejores presentaciones de grupos británicos tocando en el show de Jools Holland, una banda llamó toda mi atención. Más que las mega presentaciones de Morrisey, Radiohead, Oasis, Travis (que está notable) o Suede; lo que alteró mi emoción fue 22 20s. Un grupo que parecía un puñado de australianos aunque son todos de la high society de UK, todos de Lincolnshire. Vestidos en harapos de cowboy aparecían con una pose hippienta y con guitarras afiladas en bronces. El vocalista era el mejor guitarrista. El baterista no alcanzaba los 20 años y seguía al vocalista sin mirar su batería. El bajista cabeza hacia el suelo con headbanging interminable y un tecladista con más sicodelia que McCartney en los '70s hicieron estremecer a la galucha con el single de su EP 05-03, Devil In Me. Años que no escuchaba algo así, que me llenara el cuerpo de rock sin piedad. Luego de varios bateristas y bajistas, la banda en 2002 se estableció, lanzó su EP, firmó con un sello, hizo giras locales hasta 2004 y lanzó su disco en 2005 (paciencia del sello). Número 1 de inmediato en UK. De ahí a USA y la historia está latente. Hasta el momento sólo un disco y suenan como si llevaran 10. No hay mucho qué decir, la gracia está en la música. Yo me dejo llevar, ver la sincronía de un rock folk estrepitoso a todo volumen y que aún así pide más, Mama take me home. Shoot your Gun es la otra apuesta y el disco entero es oreja. Dicen por ahí que el demonio premia a los artistas, si es así, sólo imaginen lo que es tener the Devil In Me.

MTV, hoy por hoy en la sima

MTV me fascinaba. Corría 1992 y se sucedían las novedades. MTV había llegado a Chile y nos traía lo que nadie entendía. Lo chori era que el primer video fue 'We Are Sudamerican Rockers' de Los Prisioneros. Lo fome fue que después de eso, nadie entendía nada. The Meat Puppets, Beck, Nirvana. Todos ellos fueron grupos a los que debimos darle oportunidades para aceptarlos. Y resultaron ser marcas de época. Próceres del Rock. Muchos olvidables y que tal vez jamás hubiésemos conocido si no hubiese sido por MTV. Lamentable es que MTV obedece a modas y no es quien marca tendencias sino más bien quien las sigue. En los '90s en Chile y en los '80s en USA no era así. Si no estabas en MTV, no existías en la escena musical. Así de simple. O pasabas a ser under. Hoy hay grupos que han hecho videos con 10 lucas y aparecen en MTV. Creo no es juzgable de parte de un fan como yo, sino lo complicado es que te pongan entre Metallica y Placebo, por nombrar a alguien. MTV nunca fue santo de los británicos, seguramente porque anticipaban esta debacle fashionista que se produciría. La música es un estilo para cada quien y nadie quiere que le arrebaten el estilo. La propiedad tiene nombre y lo que me gusta a mí no es lo mismo que a ti, aunque tengamos lo mismo. MTV lo entendía así al comienzo, la publicidad y la industria, el volumen y la demanda se los comió. Lewin sabe de eso y se alejó por el túnel de mierda en el que se insertó. Imagínate que entrevistaba a U2 y a Café Tacvba sin que le importara nada. No necesariamente te tiene que gustar alguno, pero hay una trayectoria detrás. Hoy he vuelto a tener cable. No hay nada que ver en MTV. Y le he dado hartas oportunidades. The Kooks es rescatable, pero más rota en nuestro nacional Vía X, el resto son los hiphoperos, el reggaetontito, algo de mexicanos folk, Britney, Madonna y los pendex de Panic at the Disco. Yo me quedo con la opinión de Noel Gallagher en que afirma que no hay nada rescatable al otro lado del charco sino Queens of the Stone Age. Tal vez sea el momento de cambiar al hombre en la luna por un hombre en el mall.

Somebody to love / Jefferson Airplane: 1 hit vale más que 100 intentos

Seguramente en los '80s escuchamos, tarareamos o bailamos al ritmo de We built this city o Nothing's gonna stop us now, esta última que salía en la película 'Maniquí'. Bueno, ambos temas son un bodrio, pero la relación con lo narraré es simplemente un hito rockero. Un petibuché genial. Historias de bandas opacadas hay varias. Tal vez ninguna tan trágica como la de Red Hot Chili Peppers, que en sus mayores éxitos como Under The Bridge o el primer single de su mejor trabajo Mother's Milk siempre recibieron la sombra de un megahit al cual simplemente sólo se le puede rendir pleitesía como es One y Enter Sandman, ambas de Metallica. El destino es a veces irónico. Jefferson Airplane debe haber sido pionero en esto. Si bien son profetas en su tierra, son prácticamente un grupo de una sola canción para el resto del mundo. Pero esa canción la conocemos por otros, que al reconocer a los autores en sus compilaciones, nos dieron la pauta para desenmadejar el cómo llegar a Jefferson Airplane. En 1965 este grupo irrumpe entre LSD y el movimiento psicodélico de San Francisco, con ese temón: Somebody to love. Triste es comentar que si bien fueron motivados por la irrupción Beatle y Stone, estos últimos se aprovecharon del pánico e hicieron su propia versión del tema, haciendo que una buena canción de otro grupo se acogiese a su repertorio para destacarla a nivel mundial. Como una de los Rolling Stones, obviamente (injusto destino cuando los Beatles ya les habían regalado I wanna be your man y ahora rematan con esta, no olvidemos que los Stones en los '90s le quitaron hasta el último peso a The Verve por coincidir en riffs en la mejor marcha de la historia musical, después de que Travolta fuese al supermercado en 'Fiebre de Sábado por La Noche', con Bittersweet Symphony - lo cual haría que The Verve quedase muerto por un buen tiempo). Esa noche en que la escucharon por vez primera, Jefferson A. se sintió orgulloso de que los baluartes Stones la hicieran suya. No creo que los que quedan hoy piensen lo mismo. No fue mucha la importancia, pues la canción se haría mayor éxito a través del tiempo. Ay, la vida. Más tarde, hasta Jim Carrey protagonizaría un remake del tema para la olvidable película 'Cableguy'. Es sólo una canción, pero seguramente muchos la manejamos en el subconsciente. Si Jefferson Airplane se hubiese agarrado de esa y la hubiese defendido a regañadientes no entregándola al primer baboseo pertinente, seguramente el futuro hubiese sido distinto y nos hubiésemos ahorrado We built this city o Nothing's gonna stop us now de Starship, el grupo en que declinó la formación ante la ausencia de mayores éxitos y el episodio trágico de la gira Gimme Shelter en que murió un tipo del público. Pero esa es historia de otro blog. Aquí lo único que suena a brit es Somebody to love...

Kula Shaker: '70s en sanscrito

Acyntya Bhedabheda Tattva es la frase que sonaba en la radio en 1993 y promocionaba a este grupo al cual nadie conocía mucho. Y como sonaba más popero que rockero, y como eran británicos, y como los periodistas (maldita clase social estupidita) necesitaban clasificarlos: listo, son brit pop. Y de brit pop sólo tienen el brit. Las raíces de Kula están en la India más que nada. De ahí tomar el sanscrito (antigua lengua india) como referente, mezclarlo con Pink Floyd como base y sumarlo a leyendas rockeras de los '70, como Deep Purple. El resultado fue un éxito de proporciones que logró en 2 ocasiones ('93 y '97) ubicarse en el primer lugar de rankings musicales en Bretaña y en Estados Unidos. Pero la estupidez de nuestros amigos opinantes no termina ahí. El grupo retornó en 2007 con una frase de su vocalista que los sepultó: "soy un admirador de la esvástica". 'Ah, entonces es nazi', fue la reflexión de nuestros amiguis. Error, la esvástica es el símbolo de sabiduría para el hinduísmo. Bastaba relacionar la tendencia del grupo con las imágenes de tal religión; pero el camino corto siempre es más fácil. Hubo muchos a los que nunca convenció este grupo. A pesar de ser top one. Para la soberbia nunca es suficiente. Y cuando aparece el disco de Grandes Éxitos vi con decepción como en mi país los críticos de música hablan también desde una perspectiva personal afirmando algo así como que no esperemos mucho de un grupo con poco material para grandes éxitos. El disco es bueno casi de principio a fin, según mi apreciación. Creo que le sacaría 2 o 3 temas de los 15 que trae. Y de los que quedan, hay 5 que son absolutamente megahits. Habitualmente la religión condena a quienes no la siguen porque nos resulta más fácil tapar con tierra que elevar a buenaventura. No creo que eso enseñen en las escuelas de periodismo, pero el camino fácil es más tentador y le lleva luces, y le lleva farándula y placeres mundanos a granel. Frases de inmaculación rodean a los Kula, de estar y no estar, de un estado de ánimo más allá de la trascendencia física, de onda. No es necesario tomarlos tan en serio. Es el mensaje que dan con su música. Nada más. Y el que quiere, que oiga. Para mi es sólo Rock and Roll... But I Like it!

Mi nueva banda favorita: The Hives

Ser un Hive debe ser sencillamente un regalo divino. Esta banda tiene casi todos los componentes para ser una mega banda (lamentablemente no califica por ser suiza, pero bueno...). Vocalista histriónico. 2 guitarristas de patas abiertas y sudados hasta las rodillas. Baterista imparable. Bajista demasiado fuerte. + un flautista, un zambomba y un socorrista (vaya a saber uno). Y juntos suman como nueve. He leído que en sus shows paran de tocar y quedan inmóviles durante 90 segundos. Sin moverse en absoluto. De más está decir que cuando vuelven todo explota como si hubiese que partir de nuevo. Desafiar al ridículo y salir excelentemente bien parado, gritar hasta perder el sonido normal de la voz, enrronchar los dedos de tanto rasgar los instrumentos. No sé qué más decir. Esta es una banda de culto. Está claro que rayan en lo punketa y es muy fácil que la mamá de uno pase cerca y diga frases como: ¡Ya está escuchando eso de nuevo!, ¡Bájale a ese tarro! o ¡Apaga esa mielda ya! Sorry mamá, a esto no se le puede bajar. Aunque suene despacio está fuerte. Aunque sea un lento va a sonar a rápido. The Hives aparece en escena el '93 y pasa a ser el referente de Arctic Monkeys o The Strokes al otro lado del charco. Y no necesariamente por su sonido, más bien por su estética integral. Son algo así como los Happy Mondays contemporáneos. Nadie querría devolver la plata de uno de sus conciertos, luego de saber lo que vivirán. Tick Tick Tick suena el comienzo de su estrellato hasta que todo truena en un magnánimo Boom. Luego pasamos por las conocidas en que destaca Hate To Say I Told You So (el bicos ai guana que todos conocen) y retornan al escenario en un primer bis con Here we go, Again. Yo me anoto. The Hives compone harto, pero suena poco en la oreja del pop normal latino, lo cual significa que es probable que derive a otros mercados o dejemos de escuchar de ellos por un fenómeno inverso a la osmosis.

El Señor de las Cenizas: Morrisey

Así como él cataloga el cielo de su querido Manchester, así parece ser la vida de Morrisey: color ceniza. Y esa melancolía que sustrae de su naturaleza la refleja de una forma bellísima en cada una de sus composiciones. Más de las que el oído pueda resistir. Morrisey no para de componer. Siempre escuchamos a los grupos decir eso, pero no sé si existan artistas con tantos discos como este tipo: 20 álbumes como solista desde 1988 y 6 como un Smith. Un poco de historia: Morrisey es descubierto por medio de The Smiths a través de la plataforma creativa de Tony Wilson y su Hacienda, sin embargo no firma con él. Uno de los 'errores' de Wilson que hasta Dios le reprocha en 24 Hour Party People. La capacidad creativa de Smiths reporta un nuevo y genuino estilo de música que fue mal llamado 'britpop' (personalmente no me agrada), pero que hizo bailar a miles de individuos durante años y que muchos consideran la génesis de grupos extraordinarios de los '90s y 2000. A través de este pop rockero y meloso los Smiths crean operetas en que aducen la muerte de la Reina y aventuras de personajes de ficción que se han hecho realidad en el tiempo. Una especie de Da Vincis contemporáneos que adornaron sus obras con portadas renacentistas. The Smiths se separa en 1987 y de ahí en más Morrisey continúa solo. Con un éxito inconmensurable. Tal vez no reflejado en un histórico volumen de ventas, pero si en la capacidad de mantenerse como un artista vigente durante los '80s, '90s y 2000 colocando hits en los primeros lugares e incluso quedando como el compositor e intérprete del top 5 de las mejores canciones del siglo XXI con First of the gang to die. Morrisey ha sido escuela de muchos grupos, ha colaborado con varios intérpretes y su sensual estilo hace temblar la virilidad de muchos, conociendo su naturaleza homosexual que lleva con estoicismo destacable. De los mejores conciertos que he visto y presenciado a través del DVD :( Bueno, al menos tengo la dicha de tenerlo en mi discografía.

McCartney Chilensis: Álvaro Henríquez

Muchos lo asocian directamente con Los Tr3s y eso sería. Álvaro es mucho más que eso. Álvaro fue un tipo capaz de ganarle a las estadísticas y ser el 1 en 1 millón de quienes lo lograrían viviendo de la música, tal como su profesora se lo advirtió en el Alianza Francesa de Concepción. Tal como Madonna, su objetivo estaba claro desde pequeño. Pero he aprendido que tener objetivos no es nada, absolutamente nada sin un propósito, que es la verdadera carne por la cual se cumplen los objetivos. Y eso es lo más loable que posee Álvaro, su propósito medible y cumplido hace ya un buen rato y con creces. Hagamos historia. Hacia comienzos de los '90s todos comenzamos a escuchar a los penquistas que venían a ocupar el sitial de los ya venido a menos Prisioneros y que aparecían como un buen reemplazo de tales baluartes sin ser más que ellos y con un largo camino por andar. Me refiero a Los Tr3s. Sin embargo la historia se enriela aún antes. Álvaro se traslada a Santiago sin dejar jamás de ser un penquista orgulloso y se aloja junto a Boris Quercia en una casa tipo residencial de Bellavista. Ahí se une a don Roberto Parra para darle forma a la música incidental de la prestigiosa obra 'La Negra Ester'. Recorrió el mundo junto a Cuti Aste haciéndose de una especie de MBA o postgrado musical ante lo ya alcanzado en su tocatas de colegio. Y se gradúa desde la calle. Sus acompañantes en Los Tr3s son músicos de vasto aprendizaje innegable: Titae desde un conservatorio europeo, Parra de una familia de músicos en que su posible no acercamiento a ese arte hubiese sido una herejía y Molina que terminó tocando Jazz en Nueva York, algo así como venderle arena a los irakíes. Y Álvaro sin estudios firmados los lidera, los ordena, establece políticas, compone y crea. Es el mejor del grupo, el más completo. Los Tr3s además aparecen en un momento en que un grupo tan potente como La Ley entra en escena. Pero Álvaro tiene algo que es menos glamoroso que La Ley y que él cree que a largo plazo puede ser 100 mil veces más que aquel competidor. Ya veremos. La Ley podría haber sido un grupo francés o asiático y le hubiese ido bien igual. Había un asunto de música pura y buenas canciones. Nada más (como si fuera poco). Y Álvaro se la juega y comienza a escribir un nexo entre la juventud y la música de porquería que no prendía a nadie y que no pasaba más allá de grupos pacatos como Los Quincheros o Gloria Simonetti que nos enseñaban en los colegios. Álvaro rescata primero la figura de un prócer al cual hoy ya se le atribuye el ritmo de foxtrot con sabor a folk y que pocos lo saben reproducir con guitarra de palo. Álvaro aprendió del sensei en persona - de don Roberto Parra. Y no fue exigente, sino más bien un placer. Tanto así que hubo carretes que se daban en los viajes de 'La Negra Ester' en que don Roberto se bajaba en países de escala de sus vuelos y se quedaba ahí sin un peso y sin identificaciones. De tránsito en el aeropuerto durmiendo la resaca. De antología para cualquier bohemio. Y la gente comenzó a quererlo tanto como el mismo Álvaro. Hoy ya don Roberto es un RockStar reconocido. Curiosamente Jack White hizo algo parecido a Álvaro en este sentido, pero eso es historia para otra semblanza. Luego de haber logrado la cercanía de la juventud con el folklore, se embarcó en 2 proyectos grandísimos: la Yein Fonda (una fonda típica con una pata en un concierto de rock y otra en una fonda) y el introducir las cuecas bravas (lo cual terminó haciendo que Daniel Muñoz - el Malo - terminará formando un grupo descubriendo que eso era para lo que él estaba hecho). Y hoy la Yein es una institución y las cuecas bravas son mucho mejores en las fiestas que las cuecas tradicionales (La Consentida, por ejemplo, a pesar de lo hermosa que es aquella canción). Y todo esto se acompaña de un vuelco de las radios de la música en inglés hacia lo chileno y de dar cobertura a todos los grupos nacionales que aprovechan de hacer cuña de su acercamiento con el folklore y de incluso mezclarlo elegantemente con el brit-rock como lo hicieron más tarde Los Bunkers, Canal Magdalena o Sinergia logrando hacerse de audiencias curiosas y sedientas de cultura y novedades. Pero esto no termina ahí, Álvaro aprovecha el renacer de la nueva ola para hacer reaparecer a Los Jaivas y ponerlos en el sitial de Héroes (con el mejor baterista del mundo a su haber), a Buddy Richards clásico de programas de mediodía o sábados en la tarde y a Los Ángeles Negros siguiendo el camino emprendido por Jorge González, entre varios otros (contemos al Pollo Fuentes, a Inti Illimani, etc...). Por todo lo descrito creo que fue lo más justificado del mundo y la mejor elección posiblemente hecha cuando para la primera y única entrega de los Rock and Pop Aguards el 2005, la entrega del premio al mejor de los mejores esa noche cayó en la responsabilidad del mejor referente de música chilena-pop-rock-folk-etc. que tenemos: Mr. Álvaro Henríquez. Lo mismo había sucedido en los MTV Awards de Aniversario numérico ese mismo año y que había llamado a McCartney para entregar el premio. ¿Quién gano? Ni me acuerdo, pero la aparición de Álvaro quedó grabada en mi retina. Podría escribir mucho más de su coqueteo con Café Tacvba, de sus amores y desamores, de las fiestas de la chilenidad que patrocinó, de su paso por Petinellis y su carrera solista, de su actitud guerrillera como Prisionero y su tributo a Concepción, de sus Paraguayan Tropics, de su retorno a Los Tr3s, de sus colaboraciones con otros músicos, de su frenesí sobre el escenario; pero creo es suficiente, la descripción no alcanza para alguien que ha hecho tanto por un asunto noble. Álvaro, un orgullo tenerte cerca. Si hasta sufrimos la misma debacle vecinal entre el siquiátrico, el circo y la cárcel. Un abrazo.

No necesitas ser un RockStar para vivir como RockStar: Jools Holland

A comienzos de los '70s aparecía entre todo el horizonte de bandas Boogie que trataban de sacarle provecho al éxito de T. Rex una banda que se llamó Squeeze en que lo único destacable de ellos fue su tecladista y ni siquiera por su habilidad en el instrumento. Jools Holland se aparta de su grupo y a fines de la década lanza un par de registros como solista sin mayor éxito que en su pueblo (ni siquiera tengo certeza de ello). Sin embargo, la televisión lo hizo un ícono pop al aparecer en un comercial con la frase 'groovy fuckers' que se transformó en moda. Aprovechando esto y su recorrido por los escenarios, cual Alfredo Lewin de nuestro terruño ante su experiencia en MTV, la BBC lo postuló como presentador en un programa que mostraría nuevas bandas junto a Paula Yates. Y ese fue el punto de inflexión. Jools fue capaz siempre y hasta ahora de pararse con quien sea enfrente y tratarlo con una especie de despección esperando que su contraparte lo sorprenda. Un estímulo que irritaría a muchos humanos, pero que Jools sabía con quien ocupar y eso incluía a todo el abanico de músicos ansiosos de triunfos o expectantes por mantenerlo. Jools trabajó primero con sus clientes y supo muy bien qué preguntas hacer y en qué modo tratarlos para no perder la categoría de jefe. Los shows fueron creciendo y cual semillero, pasó a ser un filtro para el éxito desechando a su acompañante. No te habrías graduado como RockBand o lo que fuese que pretendieses si no habías estado con Jools en su programa - llegó a ser una consigna. Y Jools además hizo que el show fuese un modo nacional con el nombre 'Later', indicando que más tarde venía el y su séquito. La tecnología fue avanzando y las modas también y Jools abrazó siempre lo que fuera vanguardia marcando tendencias como lo hizo al imponer a Travis, Radiohead o incluso sacar de las tinieblas a tipos grandilocuentes como Morrisey. El programa de Jools se graba en vivo, es decir, se transmite en diferido; pero la hora de show que dura se graba en vivo, entonces las bandas llegan a mostrarse en una especie de competencia de calidad que dura una hora y en que el público sabe que las pifias no existen, sólo los vítores, porque el filtro de las pifias ya se hizo. No hay productos malos. Y el espectáculo es brutal. Puedes ver en un mismo show a Oasis frente a Blur y Pulp cantando covers o incluso mostrando lo que quieren incluir en el próximo álbum. Puedes ver a Morrisey al piano siendo humillado por su inseguridad a pesar de haberlo alcanzado todo o presenciar a The 20-20s que debutan con un rock diabólico en que cada movimiento fue tan calculado que el sudor emana ante la concentración como el registro físico de la adrenalina que se enfrenta. Sencillamente elogiable. No existe un programa igual a nivel mundial. Porque el centro de la conversación es la música y porque el programa agrega valor y amarra a las bandas para que sigan estando a medida que se van haciendo famosos. Algún día espero llegue un grupo chileno ahí, ojalá Los Bunkers. Jools es pesado y no le importa y la gente y los músicos lo saben. Y eso es porque Jools sabe de lo que habla, pues estuvo ahí. Con o sin éxito, pero lo vivió. Entonces es capaz de presentar a un grupo como la apuesta del productor, en la que él no se involucra, y que años después ese grupo sea marca registrada de una gran discográfica. Nada es al azar, todo debe dejar huella y se debe guardar registro de ella, pues todos alguna vez fueron base de algo o alguien y eso es algo a lo que Jools apela como sencillez y ningún grupo por muy RockStar que sea puede estar ajeno a ello. Tal vez Jools sea el Paraíso del éxito consagrado, la firma expresa de que lograste lo propuesto. Para mí sigue siendo un ícono, un tipo que fue capaz de hacer realidad eso que te encanta; pero que aún no existe.

Dinosaurios Maquiavélicos: Los Mismísimos Rolling Stones

Cuando abrí este blog, quise dejar fuera grupos que a mi parecer son de relleno o de radio. En esta categoría caían los Rolling. El blog es mío y yo sabré porqué, aunque trataré de explicarlo. Salvo ciertas joyas musicales, este grupo es de aquellos que tienen ciento treinta y dos millones cuatrocientas sesenta y ocho mil seiscientas cuarenta y cuatro canciones y lo que al final siempre suena son las mismas 20. Para mí eso es ser malo porque tu eficiencia muestra que das en el blanco a 1 de cada chorrocientas. Pero ¿quién soy yo para juzgar? El bloggista, nada más. Bueno, como no soy orgulloso y no quiero seguir dando jugo, sorry por mi errada interpretación y no podía ser sino de la mano de un angelito nada más que podría enmendar mi error. Y así es. Martin Scorsese pasó a ser ese ángel. La respuesta es Shine A Light, el último trabajo en DVD que muestra un concierto como muchos, pero dirigido por un genio... como pocos. Y Jagger baila como una loca y Richards toca como un drogo y Watts se esmera como un pendex y eso es lo que son los Stones, eternos emblema del sexo, las drogas y el rock, cliché registrado. Marca registrada de una boca siempre abierta con una lengua que jadea forever. Partieron como la antítesis de los Beatles. Y eso es mal partir. Los chicos malos. No me la compro. Creo que recién cuando se acercaron de verdad a las ciencias oscuras empezaron a ser buenos. No descartó su acercamiento con el coleflecha. La anécdota más sabrosa dice que en el camino de implorar por un éxito que los catapultara, la invocación al Maligno terminó en una canción escrita sin autoría definida que resultó un emblema: Paint it Black. Había que agradecer. Simpathy for the Devil es la contrarrespuesta. De mejor a grandioso. Luego viene I'm Free, Dead Flowers y todas esas gunsnrosescas canciones que se meten en batidora y sacan a Bob Dylan cantando con INXS. Nada Personal. Stones se las mandaron. Bienvenidos al Brit Blog.

It's good to be the Queen

Este grupo no me gusta. Más bien, no me mata. Lo respeto por sobre casi toda la música, tengo algunas piezas musicales de su autoría, guardo el Live At Wembley en el cajón de los consagrados y de cuando en cuando lo veo, especialmente esa presentación espectacular de Radio Ga Ga en que no se alcanza a apreciar si ahí Queen recién se dio cuenta de la tremenda canción que tenía o ya lo venían trabajando de antes. Seguramente será lo último, pero me gusta pensar en que fue legítimo. Bueno, a Queen se le debe gran parte de las raíces del heavy metal. Tal vez no forman parte de los 4 pilares del rock, pero yo creo de mala cueva no más, porque justo Black Sabbath nació con sus sonidos originales y la sombra fue demasiada. Si hubiese sido otra época, ¿quién sabe? A Queen le debemos en sus inicios Stone Cold Crazy, que fuera más tarde repetida por Metallica - esa canción es considerada por varios como la génesis del heavy metal. No sé. Pero de que es una eminencia, lo es absolutamente. Queen hace la mezcla ideal de ópera con hard rock, y del más pesado, construyendo con ello piezas de un rock sinfónico melodioso y que raya en la perfección. Su más grande interpretación, Bohemian Raphsody, es prueba fehaciente de ello y es una de las pocas canciones capaz de alcanzar el número 1 en 2 épocas totalmente distintas: los '70s y los '90s. Sé que George Harrison lo hizo también con My Sweet Lord y no sé de ninguna otra más. Para hacerse de discografía conviene tomarlos por volumen, pero siempre los álbumes tienen más que mostrar que las recopilaciones. De las historias de sus participantes no voy a hablar porque hay mucha literatura para ello. la gran incógnita es quién sucederá por fin al grupo en las voces, si Freddy ya es una leyenda y parece que nadie da el ancho. Hemos visto como muchos grupos han vuelto en gloria y majestad, pero este esperado regreso no parece tener fecha y el detalle está en el legado de su mentor. Yo me acuerdo de George Michael cantando Somebody to Love en una muy buena interpretación, pero al ver un concierto de Queen queda claro que Michael sólo llega a la similitud en la condición sexual, para el resto muchas gracias y te llamamos. Habrá que ver, algo pasará. Al menos se viene película de Freddy con el Borat en el rol. Will see...

La apertura absoluta: Santana

Hablar de los mejores guitarristas del mundo es hablar obligadamente de una lista en que Santana no puede no estar. A este viejo lo vine a considerar recién el año pasado por un hecho que este blog aún no está listo para oir. Quedé idiota cuando capté el power de Gypsy Queen y tener un tipo bailando sin letras y hacer que 600 mil personas giren atónitos ante él sólo por el rasgueo de sus cuerdas y su Soul Sacrifice. Eso no lo he visto de nadie más. Y es que Santana además venció a la adversidad. sus raíces latinas lo podrían haber dejado en un plano segundón en este caucásico mundo; pero no fue él precisamente quien sacó la voz. Fue su guitarra. Y sacó la voz 10 mil veces más fuerte que él. Tanto así que ni le conozco la voz propia. ¿Para qué hablar de Jingo o el clásico Oye Como Va doblado por Rubén Blades en interpretación magistral? Poner santana y bailar con la cabeza en órbita es un ritual indígena digno de este blog. Un cuate que se lanzó en Woodstock y conquistó Europa desde Inglaterra con virulencia. Luego de hacerse conocido en Woodstock se perfila al Rock and Roll Hall of Fame antes de su disco Supernatural de 1999 y colaboraciones con músicos de renombre como Clapton y hasta Maná logrando estar en el Billboard por 12 meses y conquistando el número 1. Increíble para un guitarrista sin voz. Mis respetos, que me perdone por no darle cabida antes; pero la música es para eso: no es para los amiguitos, es para los que tienen que estar. Carlitos, ¡sos grande!

Una perla: The Strokes

Una de los mejores tocatas a las que asistí en 2005 fue una que se hizo en el frontis de la I. Municipalidad de Peñalolén. Tocaban Los Bunkers. La programación era para tipo 19:00 horas. A las 16:30 arribé al lugar, ya que venía de otra parte que quedaba en la ruta y preferí matar el rato en el sector. Me metí a un bar y ahí a ponerle un rato entre pera y bigote. Todo redondito, recuerdo que el vocalista terminó con mis lentes setenteros cantando You Really Got Me. Pero esa es otra historia. Esa noche Los Bunkers no volvieron al escenario por segundo bis como la gente lo pedía, ya que tenían entradas para otro concierto: el de The Strokes. Yo ni conocía al grupo hasta ahí más que lo que tocaban en la radio y sonaba el single You Only Live Once en que muchos recordaban a Queen en su introducción tipo I Want To Break Free. Y como Queen no es de mi absoluta idolatría, no pesqué con el asunto. Y me equivoqué 100%. The Strokes es un tremendo grupo. Tremendo. En Chile es cabecera para salir con el tema de relleno en las radios, ni lo pescan mucho. Pocas veces, creo que sólo con Los Bunkers en mi caso, me he encontrado con un grupo en que todas las canciones son buenas. Todas. Todas, compañero(a). El sonido es legítimo para este blog, pero el grupo es de Nueva York y pertenece a una oleada de nuevos grupos con el sonido de guitarras sucias y ritmos entre bailables y reflexivos, al menos esa es la definición de los entendidos. Yo encuentro que The Strokes se acerca y coquetea todo el tiempo con el Punk, ese headbanging continuo que siempre viene bien, porque cuando no hay nada que decir mover la cabeza siempre tiene onda. Y The Strokes tiene onda todo el rato. Reptilia es un himno y Take It Or Leave It una demostración de nula buena críanza. Muchos critican la voz, pero con guitarras sucias y estridentes, la voz queda ad-hoc. Otros dicen que la batería es básica, pues bueno, el punk es así. He visitado los videos en U-Tube y quedé sorprendido, las puestas en escena son a lo grande, de esos grupos que ocupan todo el escenario y les falta espacio (algo que pelotas como U2 jamás han podido lograr). Y lo mejor de todo es que este grupo aún no saca esa canción que después identificaremos como lógica de The Strokes, lo cual significa que queda Strokes para rato y eso siempre se agradece. Ahora me doy cuenta de que podría haber escrito lo mismo para Los Bunkers y las semejanzas son absolutas. Habrá que ver quién se desmarca primero de esta línea.

I wanna introduce a friend of mine: Mick Jones

La del título fue la primera frase que escuché en el camino a The Clash. Hay tipos que sin aparentar mucho son tremendos líderes. Mick es uno de ellos. La frase corresponde a la primera aparición en vivo de Aztec Camera, un grupo compilación de estrellas surgido a fines de los '80. El tema era Good Morning Britain y creo que esa fue la primera vez en que relacioné que estaba escuchando música de UK. La cuna de este blog. Averigüé un poco más y el destino reservó lo mejor para el final. Pasé por Big Audio Dynamite II y rayé. Pendex de la época, la canción me pareció chori. Una estupidez de canción, hasta que un clásico en Sábado Taquilla me mostró Should I Stay or Should I go. Yo ponía música en fiestas de casa, gimnasios y eventos como tal y de inmediato el tema pasó a ser parrilla indiscutida y plato fuerte de la noche. Es muy buen tema. Hasta el día de hoy rayo, pero trato de no escucharlo por vía propia, puesto que lo tocan bastante en las radios y eso no aporta mucho a la escasez de las buenas canciones. Mala costumbre de vivir entre mucha música desechable. 10 años después recién me di el tiempo de escuchar a The Clash y comperendí a Mick. Es tan difícil llegar a la cima y cuando la tienes no la aprovechas como debes, porque te resulta normal. The Clash era perfecto. London Calling es un himno por donde se le mire. Hasta Bond la usó. Pero Mick lo perdió y nunca se recuperó. Si alguien ha visto a Mick, que no se asuste, él es así de feo; pero a ver si encuentras a alguien que toque como él. No tengo mucho que decir de Mick, puesto que son un par de canciones las que dejó como legado, pero bastó para el rock y su nombre se imprime en las páginas de leyendas. Ahora suena The News, su nuevo hit. Un hitazo, como los pasos de Mick. Lo bueno es que todavía queda vida después de The Clash.

La Venganza de la Gente Común

1993 fue un año clave para la música británica. Ese año se destaparon varias bandas que hicieron nuevamente al mundo observar qué estaba sucediendo en la Isla del Reino Unido. Ya con el impulso de Oasis hubo muchos grupos que quisieron hacerse notar. Blur y Supergrass son referentes de ello. El primero con un gran sonido, pero que se metió en peleas de camisas de once varas - contra Oasis. Y perdió. Seguramente porque compararse no es el camino para nadie y de más está decir que calidad musical les sobraba. Malas decisiones. El segundo se supo mantener en su sitial y hoy gozan de nuevas grabaciones y hasta de un disco recopilatorio de culto. Sin embargo la diosa experiencia siempre ronca en este tipo de florecimientos y, así como las empresas con sabiduría saben enfrentar las nuevas modas, los grupos con kilometraje son aquellos que quedan en la retina del auditor. Y PULP venía con más de 13 años de rodaje hasta el Different Class, álbum que marcó un antes y un después en el caminar urbano londinense. Es que por fin representaban a los trabajadores, dueñas de casa, estudiantes, travestis reprimidos, personajes ordinarios con historias olvidables y normales que aburren a cualquier editor; pero que PULP sabía estaban ahí para alguna vez ser estrellas sin ser nombrados, sino entendidos. Las canciones de Different Class dieron un respiro de 10 años a los muchachos de PULP. Sacaron otros álbumes, pero la gente seguía pidiendo los grandes clásicos. Hasta que se aburrieron y el grupo se acabó. Si Jarvis Cocker, el espigado vocalista de PULP, hubiese sabido lo que en Chile suena, se hubiese venido a radicar acá para tocar el Different Class fin de semana por medio en Blondie. No somos nada. Jarvis nunca supo.

La segunda parte se viste de mujer, pero sólo al comienzo. Es que la vocalista de Elastica que sacó el único gran single 'Connection' dio origen al otro gran veterano ganador de la época. Brett Michaels era su novio y ella con el éxito de su single y saberse mover bien entre productores hizo llegar a The London Suede a tierras estadounidenses en un gesto amoroso ante su novio vocalista. Ideal para un grupo que ya no sabía dónde más tocar y que hasta ahí ni aparecía en los rankings de ninguna parte. Suede explotó y volvió a UK como los Beatles en su momento. Llenaron salas de teatro y estadios e hicieron de su nutrida discografía una verdadera antología de vida. Su Best Of y pa' la casa. Es que el sonido es rico, las imágenes y puesta en escena muy entretenidas y que encantaban a todos. El clásico asexualismo entre ingleses en escenario y todo era éxito; pero ellos estaban chatos y el grupo no daba para siempre. Un poco de cosecha no estaba de más.

Hoy son perfectos desconocidos. Gente común. Gente como uno.

La dimensión alternativa: un hallazgo, un baluarte

De la música británica que manejo hay un sólo grupo que se escapa de la línea melódica que podría ser identificable ante mi personalidad. Ese grupo es Pink Floyd. Pink Floyd por méritos propios y sin gustarme necesariamente podría estar aquí y no hacer más ruido. pero es más que eso. Me explico. Como datos podría destacar que es el único grupo que ha sido capaz de mantener un álbum durante más de 450 semanas en el ranking Billboard y gracias a un hit en especial: Wish you were here. El juicio más grande por derechos de canciones y la marca en sí ha sido el que ellos protagonizaron en 1983. Una batalla musical en que las canciones se compartieron y la marca se la llevó Gilmour y sus secuaces ante un frustrado, pero no oprimido, Roger Waters. Y para qué hablar del producto. Las canciones de Pink Floyd son himnos rodantes en cualquier aspecto: Learning to Fly, Money, Time, In the Flesh, Run like Hell, etc. Excelentes en sus arpegios y más aún en sonidos nobles que perfectamente podrían haber sido uno de los pilares de la música. El problema es que su genuidad ha sido tan compleja que practicamente nadie los ha podido seguir en su línea musical. Porque Pink Floyd hace sinfonías mezcladas con poemas, óperas, libros actuados con banda sonora. Todos sus registros son así. Las canciones de formación tradicional parecen ser pinceladas de una obra mucho mayor y que se transforman en capítulos de libros más gruesos. Pero como nada es para siempre cuando hablamos terrenalmente, el sueño se quebró. Y 2 veces. La primera fue cuando murió el genio compositor Syd Barret, pionero del grupo en sus primeras jugadas y decidor del estilo Floyd. El segundo quiebre llega de la mano de Gilmour y Waters, compositores principales ante la batalla legal del '83. Y recién aquí y ahora me doy cuenta de que Pink Floyd es Roger Waters hoy en día. Todos merecen la mejor de mis reverencias, pero las canciones son de Waters. Y esto no es por despecho. Es algo que sólo la conexión con el alma puede explicar. El fin de semana escuché a Roger en un concierto por la radio. Me descompuse casi hasta las lágrimas cuando noté su interpretación de Wish you were here. Tanto se ha especulado de esa canción y ellos siempre dijeron que era para el desaparecido Syd. Roger se la canta a él y en cada espacio recuerda por qué la está cantando y que es lo que quiere lograr. Desde el alma. Welcome to the Machine deja claras evidencias de la máquina que vive en el sistema que ya en los '70 se asomaba como una amenaza consumista y Mother es la insistencia de Waters en lograr la independencia pura del estado de control que recibimos de todos. ¿Alguna vez te has sentido agobiado? Waters absolutamente. Todos estos sentimientos a los cuales yo personalmente me he referido en mi blog personal, Waters los plasma en música fina y armónica dejándonos ver que hay un mañana mejor y que la esperanza juega a nuestro favor. Gilmour y compañía: un aplauso de pie. Waters: ¡te pasaste!

... y en medio del desierto, sin saberlo, estaba el mejor grupo del mundo...

En 1993 se formó una de los joint-ventures más cortos que alguna vez haya durado: el de mi hermana y yo. Ambos coincidimos en el gusto en absoluto. Seguramente ella un poco influenciada por mi oreja, pero bueno - de alguna parte tiene que venir el gusto. Y nos pusimos de acuerdo en que de nuestra mesada apartaríamos una cuota para obtener la discografía de quien se alzaba como el mejor grupo del mundo, incluso más grande que los Beatles. Más tarde entendimos que era una estrategia y que no pretendían ser mejores que ellos pues su idolatría hacia los Fab 4 era más grande que su amor propio. En la década de los '90 era tal la escasez de talentos que hasta se había dado el fenómeno de que Bohemian Rapsody de Queen en 1992 alcanzó el Nº 1 después de casi dos décadas de haberlo hecho por vez primera. Proeza dijeron muchos. Yo estaba loco, eso era imposible. Alguien no estaba haciendo su pega. Y aparece el álbum Definitely Maybe, de una banda que llevaba trayectoria, pero con este le estaba dando al clavo. El himno de apertura, como lo suelen hacer las bandas británicas, fue Live Forever y los caballitos de batalla fueron sendos Supersonic y Some Might Say. Quien escuchaba por vez primera a los hermanos Gallagher sentía que UK estaba retrocediendo a las más puras raíces de los '60. Lo peor de todo es que ellos estaban conscientes de tal impresión y se aprovecharon en adelantar el mensaje: Oasis es el mejor grupo del mundo. Frase antesala del grandioso What's the Story? Mornin' Glory, álbum que incluía el simplícisimo Wonderwall (que ahora lo toco en guitarra -¡¡¡eee!!!) y el desordenado Roll With It en deuda con el público chileno por no haber sido jamás interpretado en vivo acá. Mi discografía se limitaba a cassettes y como suele suceder en relaciones de hermanos, el abusivo intento mío de hacerme de la propiedad íntegra de aquellos discos hizo quebrar el joint-venture. De ahí en más mi mesada debía apartar el doble para la inversión en Oasis. Alcancé a durar un disco más: Be here now. Paré en el momento justo. Con ese disco llegaron a Chile en la época en que el chino Ríos alcanzaba la gloria y fui a San Carlos a verlos. Caché la mitad de lo que cantaban. Pendex. Tiempo después me di cuenta de que hubo muy buenas interpretaciones, especialmente de Cigarretes and Alcohol y I am the Walrus con un sonido de helicóptero mediante guitarras en la eterna cortina del cierre. Salió otro himno de ahí, All around the World que de cuando en cuando suena en Blondie. Y no supe más de Oasis hasta el año 2005 en que editaron Don't Believe the Truth. Hicieron cosas entremedio de las que sacaron singles olvidables como Little by Little y buenas canciones como The Hindu Times, pero que por estar en álbumes malos se fueron al olvido. En 2006 vinieron a Chile y nuevamente fui a verlos. Esa vez si la disfruté. Seguramente porque ya estaba en proceso de cambiar mis estrellas. Y no me defraudaron. Un excelente repertorio y puesta en escena con la que seguramente ha sido la mejor formación de la que han gozado: el hijo de Ringo en batería junto a un segunda guitarra y un bajista espectaculares. Creo que lo mejor que le pudo haber pasado al grupo fue tocar fondo en cuanto a peleas y rupturas amorosas para hacer aflorar lo mejor que saben hacer: ensuciar la armonía y cantar sin modular para obtener un resultado exquisito de una mezcla sin esperanza. No puedo, aunque quiera, dejar de nombrar el matrimonio caduco de Liam, vocalista, con Patsy Kensit, la actriz que aparece como la novia de Martin Riggs en Arma Mortal 2. Tal vez una de las mujeres más bellas que he visto. Es lo único rescatable de ese personaje. Noel, su hermano, es un nazi con piel de bebé y no le creo nada. Sin embargo, juntos y con un par de palos parados encargados de los otros instrumentos, han logrado tocar la cima, el fondo y renacer. Llenaron Wembley en 2002 antes de su destrucción con un concierto más que memorable y han sabido mantenerse en la noticia más allá de la farándula, por sus canciones cada vez mejores. No son el mejor grupo del mundo, creo que eso es algo que los Beatles se llevarán para siempre; pero es una frase que irrita a sus competidores y sin hacer mucho les ubica en segundo plano (casos de Blur y Supergrass). Ese no es problema de los Gallagher. Un agradecimiento no está de más, este grupo me ayudó a mantener la cordura mientras estudiaba mi postgrado. Aquí está la vuelta de mano, en mi propio 'Salón de la Fama'. Ojalá que ese sonido jamás desparezca. Hermanita, si quieres más de Oasis, yo te puedo regalar. Un beso.

¿Duque Blanco? ¿Camaleón del Rock? Leyenda Viviente suena más ad-hoc

Creo que después de haber pasado por los baluartes musicales, no queda más que irse a figuras esplendorosas. Académicamente al referirme a David Jones podría hacer un paralelo académico con términos como reingeniería, nichos, ventajas competitivas. Como modelo de éxito David es más interesante que Madonna, es el Jack Welch del rock. David Jones cambia su apellido a Bowie al comenzar su carrera, esto debido al alcance de nombre con el vocalista de Kinks con algo más que él de camino recorrido para la época. Su estilo daría clase partiendo desde sus ojos azul y verde ante un accidente con un compañero de colegio al enterrarle un compás - dura forma de convertirte en privilegiado. Y comienzan los viajes masivos con la opereta hecha film de Ziggy Stardust y las Arañas de Marte. La verdadera locura espacial que siguió al álbum The Man Who Sold the World de cuya canción Nirvana en los 90 nos recordaría lo grande que fue. Pero mi tío no se queda ahí y gracias a su estilo distinto bajo cualquier punto de vista, se asocia a figuras como Queen y Mick Jagger, este último causante tal vez de su separación con Angela Bowie por haber encontrado encamados a ambos varones (¿será esa la razón de Angie?). Ambas a mi juicio le aportan más espectro mediático que calidad musical. Sólo Lennon en el '75 le dejaría dividendos musicales con Fame. Bowie funciona mejor solo y eso se refleja al aparecer entre la lista de los 100 mejores del rock con Starman y Space Oddity. Ha pasado por 4 décadas siendo exitoso y distinto en cada una de ellas: emergente en los 70, comercial en los 80, un barco sin timón en los 90 y consagrado hacia el 2000. Hace poco celebró su cumpleaños Nº 60 con un megaconcierto privado y artistas invitados como Iggy Pop, Robert Smith o The Pixies. Personalmente me sigo sorprendiendo cuando saca un compilado. No son sus álbumes llenos de éxitos, de hecho no me agrada toda su discografía; pero las que rescato, son todas doradas. De su último trabajo - Reality, obtengo Never Get Old. Para mí, una canción que me identifica plenamente. la vida es corta para alcanzar a disfrutar de todo y las ambiciones perjudican el paso, ¿cómo poder ser desprendido y feliz?, tal vez la solución está en jamás envejecer. Algo que Bowie atesora, pero que lamentablemente ya le está pasando la cuenta. Hace poco debió suspender algunas fechas de conciertos por operación de cataratas. Bueno, hay que hacerse la idea y aunque conceptualmente lo elevamos a la categoría de estrella, el Pulento nos recuerda que es terrenal. Ojalá Bowie lo comprenda antes de emprender su propia Odisea Espacial.

Here they are: The Beatles!!!

No existe, y esto léanlo bien, no existe ningún otro grupo que siquiera se asemeje, se acerque, se compare, le llegue a los talones, le robe cámara, le quite espacio, sea en algo - cualquier cosa musical, mejor a los Beatles. Es que no. No hay. Sencillamente no hay. Razones hay de sobra. Trataré de ser breve y objetivo aunque entiéndase esto escrito desde la perspectiva de un fan absoluto. Hay detalles sabrosísimos de estos muchachos. Partieron McCartney y Lennon, incorporaron a Harrison y más tarde a Starr. Echaron a un bajista por pavo y guapo, que les opacaba su acto. En otra tanda hasta el propio padre de McCartney apoyó sacar al baterista, básicamente por ser más guapo que el resto. Se podrían haber esperado las penas del infierno para un grupo tan ególatra, sin embargo no es así. Es necesario sacar a los distractores para hacer buena música. Los Beatles, tal vez sin saberlo, lo hicieron y quedaron los que tenían que estar. Grabaron durante cinco años a pura guitarra y compusieron los más bellos discos de la historia. Son parte de uno de los cuatro pilares del rock. Todos los ritmos tienen hoy algo de ellos. Fue tal su fama que en algún momento Lennon acertadamente dijo que eran más conocidos que Jesucristo, de hecho si Él hubiese tenido a los medios a su favor, la pelea hubiese sido dura. Esta frase denotó el principio de 2 cosas: el ocaso del grupo y el ambiente necesario para crear lo mejor de lo mejor. El grupo, ante este revuelo por la frase de Lennon, se presenta en un concierto en un estadio para 50 mil personas. Pues bien, llegaron 35 mil, público nada envidiable para cualquier grupo que hoy en día quisiese tocar en vivo. Los talibanes de la información de aquella época hablaron del fracaso del grupo. Imbéciles. Esos periodistas fueron los culpables de que nunca más aparecieran en vivo, sino hasta el par de temas que tocaron sobre la mítica azotea que duró la nada misma. Claro, si me molestan tanto, no aparezco más. Y así lo hicieron. Luego nacen todas esas piezas, operetas, obras de arte como The Beatles (el mal llamado álbum blanco), Sgt. Peppers, Abbey Road, Let it be y Magical Mistery Tour. ¿Tal vez debamos agradecerle a los periodistas? Bueno, la tolerancia en el cuarteto se hizo insoportable y a pesar de las cooperaciones de Eric Clapton o Billy Preston, nadie se salvó del deceso. Hoy se han hecho esfuerzos imposibles por tratar de reeditar o mostrar el nivel de éxito de estos 4 de Liverpool: Antología, BBC Sessions, LOVE, Let it be - Naked! y otros han sido esfuerzos por mantener con vida a los muchachos. No es necesario, están en todas partes. Siempre las raíces llegarán a ellos. Sin malas palabras, sin mensajes subliminales, sin placeres mundanos. Dios nos regaló esa unión casi perfecta y para no variar, nos la farreamos. Bueno, ahí entendimos que eran terrenales. Nunca aprenderemos. Lejos lo único que puedo decir para cerrar la síntesis menos objetiva que he escrito es el mensaje que queda en el último tema de la trayectoria Beatle con el mejor nombre posible para el fin de un grupo: The End (algunos creen que debía ser la última canción de Let it be, sin embargo Abbey Road fue el último álbum del grupo, Let it be se grabó 2 años antes de su salida al mercado) - al final el amor que recibes es igual al amor que entregas.

El descubrimiento de un RockStarr

Seguramente el primer nacimiento de una estrella de rock de manera 'predestinada' fue el de Ringo, autonombrado así por ser un nombre de perro. El beatle terrenal no era parte de la formación original (bueno, Harrison tampoco; pero llegó por vacante ante la deserción de otro personaje) sino se unió a la formación en 1960, al comienzo reemplazando las ausencias de Pete Best, el batero original, y más tarde en 1962 siendo parte de la formación definitiva. Es cierto, Best fue el rockero, el que imponía el sello, algo que se nota en clips como Money o Please Mr. Postman; pero Ringo era lo que los Beatles realmente necesitaban. John siempre se refirió al baterista como un mal necesario y que ojalá estuviese con sus tarros lo más lejos posible del resto de la banda sobre el escenario. Ringo no acogía tales comentarios y se dedicó a mantener su estilo en alto, sin molestar y haciendo armonía, tanto así que pocos pueden recordar un buen solo de batería beatle - para esos, traten de tocar Lady Madonna o A Day in the Life. A ver cuántos pueden igualar al terrenal. Ringo es el mejor batería del mundo según McCartney y Harrison. Creo con eso es suficiente. Una vez acabado el sueño beatle, Ringo se dedicó a cooperar en un par de ocasiones con Marc Bolan y Dylan, entre los más rescatables en la mejor época setentera. Luego de muchas colaboraciones en los '80s, en los '90s recibió una ayuda de su amigo Paul y cantó en su álbum The Weight of the World el reeditado tema It don't come easy - simpática composición en que revelaba su dificultad de querer ser un tipo regular luego de cargar con el peso de ser una megaleyenda en vida y haber pasado por problemas de alcohol y mujeres. Ringo está de regreso y acaba de lanzar su Liverpool 8. La verdad es que esto no es gran novedad para los que saben algo de este personaje. Ringo estuvo en su infancia cerca de 2 años y más en coma por una enfermedad, sus resfríos se complicaban y terminaban en estado de gravedad, sus compañeros lo alejaban restándole importancia a su presencia y él siempre estoico regresaba como un baluarte irresistible a desfallecer. Lo que hace un rockstar, como decía Sammy Haggar de Van Halen: "déjenme en el desierto solo y regresaré en un cadillac con una rubia espectacular a cada lado". Tal vez los retornos de Starr no han sido de esa alcurnia, pero sabe hacerse un espacio para que el público alce la vista. Argumentos hay de sobra, pero los sentimientos mandan. Ringo seguirá siendo terrenal aunque queramos alzarlo como semidiós, un título que no se escribe, sólo se percibe. Sea como sea, fuiste parte de todo y eso nadie lo puede opacar.

Todos quieren ser Harrison

George es el más cotizado musicalmente por los músicos que adulan a los Beatles. Seguramente porque es muy difícil 'ser' Lennon, considerando su actitud, su forma compleja de pensar y razonar. ¿Para qué hablar de 'ser' McCartney? Muy pocos poseen esa capacidad de composición exquisita con el nivel imaginativo de crear una ópera rock tras otra. Entonces, ¿qué queda? Ringo es terrenal y Harrison es el semidios restante. Sin muchos compromisos, con buena historia. Es un peso más liviano de cargar. Harrison debuta en la voz con composición propia en el álbum A hard Day's Night en el track 4: 'I'm so happy just to dance with you'. John y Paul se miraron y dijeron: "Misch, le pega el socito este". Y de ahí en más aparecía 2 a 3 veces por álbum y cada una de sus canciones se transformó en una delicatessen. Se adjudica complicados y deliciosos solos de guitarra en While My Guitar gently weeps y LA balada de la historia según Frank Sinatra (lamentablemente anunciada por el americano como su composición Lennon/McCartney favorita) - Something, aparte del registro sin explicación justa sobre Taxman (¿será por el tongo ante la supuesta muerte de McCartney o simplemente a la lata de pagar impuestos?). Harrison se separa y es el que sigue la carrera más interesante y quitada de bulla de los Fab 4. Se une a Elton John, Dylan y Clapton en colaboraciones de grandes canciones; pero es el proyecto junto a Tom Petty, Roy Orbison y Jeff Lynn el que obtiene los más grandes elogios: Travelin' Wilburys. Harrison despliega su más armoniosa y rockera guitarra en pro de los avances de este grupo. ¡Impecable! Muere en 2001 producto de un cáncer al pulmón que combatía hace años, pero que había hecho metástasis al cerebro. Con su deceso genera uno de los más hermosos tributos que se le haya prestado a algún ídolo del rock alguna vez. El concierto está en disquerías. Es fabuloso, aparecen todos sus amigos y vínculos a la música (desde la India hasta Sir Paul) y tiene anécdotas muy buenas como la aparición del hijo de George - Dhani, apuntado como su encarnación absoluta y tocando junto a Eric Clapton (McCartney luego diría: "que suerte la de George, mientras todos nosotros envejecíamos, a él la vida le pasó por el lado" - en referencia al parecido de Dhani ante su padre). Harrison dedicó su vida a Dios, lo que dejó plasmado en una de las canciones más grandes escritas como es el caso de MySweet Lord, logrando en dos épocas distintas (1970 y 2001) el #1 en Estados Unidos y Gran Bretaña al mismo tiempo. Además la canción pertenece al álbum All Things Must Pass, primer álbum triple en la historia de la música. Nunca temió a la muerte y siempre indicó que lo único que no podía esperar era el llamado religioso por excelencia: "Amaos los unos a los otros". Es el guitarrista #21 en la lista de los mejores de todos los tiempos. Como se aprecia, George no era un exaltado, no fue un bohemio, no fue un obsesionado, simplemente disfrutó. Y eso, que es muy de la esencia de los mejores años de los Beatles, es algo que bastó y sobró para que todos quiseran ser Harrison. Hasta el día de hoy.

El bueno de Paul

Hacia mediados de los '60s se anunciaba clandestinamente que Paul había muerto. Todo surgió de la necesidad imperiosa de saber en qué estaban los Fab 4 luego de un largo periodo de 6 meses sin nuevos registros. Algo que hoy es habitual en cualquier grupo que se precie de 'famoso'. La prensa apuntaba al accidente sufrido por este niño bueno en una madrugada de neblina en Liverpool en que por mirar a una tal Rita (que hasta la vincularon con Paul) perdió el control de su vehículo y resultó con TEC abierto. Fue algo simple, sin embargo la operación de rescate fue difusa y muy rápida. Nunca se supo si efectivamente fue Paul, no hay muchos testigos y se tardó un tiempo en aparecer de nuevo. Los Beatles siempre fueron irónicos. De aquí en más comienzan a jugar con el tema y hacen canciones en homenaje a Rita, los álbumes presentan referencias inciertas y hasta hay fanáticos que acusan mensajes distorsionados en cintas en retroceso. Todo cuestionable, nada fidedigno. Los evangélicos son los que más han usufructuado de esto. Si todo lo que aparece en la web fuese tan verdad como dicen, estaríamos todos condenados por escuchar a los ingleses. Paul muerto o Paul vivo, el Paul que hoy tenemos ha tenido una carrera espeluznante y que cualquier músico se la quisiera. Un prodigioso. El mejor en guitarras, el mejor en baterías, el mejor en teclados, el mejor en trompeta. Lennon debe haber sumado y restado y haber propuesto que se haga cargo del bajo. De otra forma seguramente el grupo se hubiese llamdo Paul y los Beatles. Las grandes obras musicales de los Beatles dependen de Paul: Sgt. Peppers, Magical Mistery Tour o Let it Be. Hasta que se separan y comienza la vida de la bondad. El blanco, amarillo y crema amparan a Paul en su vida y son el caballo de batalla de Wings, un grupo conocido por... por... por... bueno, porque aparece Linda, su primera esposa de la cual todo el mundo cree que era hija del dueño de Kodak, sorry, no es así - alcance de nombres solamente. De ahí como solista más tarde se desprenden buenas canciones como Jet, Band on the Run, Maybe I'm amazed y Figure of Eight. Nunca más McCartney hizo una obra maestra. Sí después de 20 años se mandó un hitazo con Hope of Deliverance, pero no alcanzó para el Hall of Fame. Hoy Paul recorre en un gran camión los Estados Unidos uniendo a la familia estadounidense para salvarla a través de conciertos espectaculares de los ataques de terroristas y devolviéndoles esperanza. Hasta llamados a seres extraterrestres han sido auspiciados por él. Al menos lo disfruta, se ríe y lo mejor es que lo quiera o no, sus caballitos de batalla son las beatles songs. Yo creo que le gusta. El problema hubiese sido si Lennon hubiese estado vivo. De seguro que diría How do you sleep?

Lennon: demasiado peligroso para seguir viviendo

Uno de los ídolos musicales más rudos que jamás he visto en videos, escenario, calle, lo que sea, es sin lugar a ninguna duda, Mr. John Lennon. Más allá de su categoría beatle con la cual dejó una magna huella, es su pasión por la vida la que realmente me provoca una sensación de demasiado poder, en lo más amplio del sentido de esta palabra, frente a su persona. No es fácil que alguien sin hacer absolutamente nada por más de 5 años sea considerado un dios, ídolo u objeto de adoración de alguna forma, cualquiera ella sea. Es muy raro. Eso sucede cuando la proyección que el tipo refleja es tan adaptable que a cualquiera le sienta bien. O a una gran mayoría, al menos. Dueño de una visión sobre la música inigualable y elogiable hasta por sus pares, fue capaz de pararse (todo en época post beatle) en un escenario con astros como Eric Clapton, creo que Keith Richards también, Dylan - todos enfermos de borrachos, drogados, idos y sin haber ensayado siquiera una nota. No puedo decir que el concierto fuese una joya, porque al contrario fue una vergüenza; pero eso mismo lo hace ser un conciertazo. Bueno, en esos 5 años, post beatle, incipiente Yoko absolutista, Lennon no hizo más que ser un flojo. Viajo con su minita, tal vez la demostración más grande de que el amor es ciego, ciego, ciego - y se la pasó haciendo Yoga. En la película Imagine se aprecia a un vago que pasa semanas acampando cerca de su mansión, todo por estar cerca de él. Todo parte como un cuento, Lennon necesita casarse y decide hacerlo 'a la paraguaya' (como Lennon estaba casado, no podía volver a hacerlo, pero si en ciertos lugares, como fue el caso del Peñon de Gibraltar, donde acudió con Yoko), único país latino con la gracia y restringido en esta práctica desde comienzos de los '90. Ese viaje da origen al comienzo del fin beatle con la hermosa y divertida historia de la Balada de John & Yoko. Una serie de malos cuevazos en que en vez de escuchar a la divinidad, prefirieron echarle p'aelante y sacar su deseado matrimonio a luz pública. Ahora escribiendo, creo hacer más fuerza a mi teoría. Luego de esos 5 años, John decide hacer caso al acoso y se embarca en su nueva aventura musical que nunca culminaría. Tal vez como una frase utópica. En ese álbum póstumo, todas las canciones pasan a ser joyas:

- Watching the Wheels habla de como la gente lo juzga por querer hacer simplemente lo que él quiere.

- God: reniega de absolutamente todo y deja clarito que el sueño se acabó, los beatles no van más.

- Mother: sin palabras. La madre de John nunca le dio una gota de amor, según cuenta la historia.

- How do you sleep?: abre el disco. Dedicada de pies a cabeza a McCartney y su pose de niño bueno. Sólo le reconoce Yesterday y Sgt. Peppers. El resto es muzik para sus oídos (muzik: música de pésima calidad y sin sentido, típica de malls y supermercados). ¿Cómo siquiera puedes dormir?

Un legado polémico y fuerte, pesado y dulce a la vez, delicado y sencillo, extremo por donde se le mire. Mi humilde teoría es que Dios lo sacó de la ecuación. El 'asesino' fanático Mark Chapman fue sólo un intermediador. Dios debe haber notado la fuerte influencia alcanzada por los seguidores de Lennon y las consecuencias futuras. La gente hacía tonteras por o a causa de Lennon y eso podía ser nefasto. Un tanto comunista y nazi a la vez, era una mezcla fatal. Mejor dejarlo hasta ahí, como un ídolo, como un mártir, como un ángel, como un rockstar.

Fantasía y Realidad - ¿cuál mejor título que T. Rex?

Mucho antes de Jurassic Park y aún antes de la popularidad de Tolkien en la pantalla grande existió un grupo que hizo un mundo de elfos, duendes, magia y que combinó con coches y sensaciones de placer adrenalínico. Apoyado en David Bowie como referente y rayando en la maestría de socios como Ringo Starr, Bob Dylan y los mejores años de Elton John como rockero, aparecía Marc Bolan, quien alguna vez fuera más conocido por su dúo: Tyrannosaurus Rex. Dicen en la música que los #1 que perduran son los del Reino Unido. Comparto ampliamente, hay innombrables que han sido #1 en otras partes sin pena ni gloria. En UK pasa menos eso. Marc Bolan fallece a los 29 años en un accidente automovilístico. Curiosamente fue siempre tanta su admiración y respeto a la vez por este hobbie que nunca se decidió a obtener la licencia de conducir. Bolan compuso temas extraordinarios, seguramente seducido por drogas y flirteos que nunca entendió, de ahí su remembranza a mundos ficticios; pero le salía muy bien. Tan bien, que las posturas de Get it on aún se siguen escuchando en otras canciones como Cigarretes and Alcohol de Oasis. Sólo 2 personas para hacer historia. Sólo 1 para perdurar. Adquirí un Greatest Hits de este grupo hace 3 años. Había una serie de temas que siempre oí y nunca hice míos. Ahora sí. En cierta ocasión iba caminando por Pucón en invierno y en una tienda tipo 'todo a mil' obtuve un unplugged de T. Rex por menos de 3 lucas. Esto habla de lo magnánimo que puede llegar a ser un grupo que ni el vendedor sabe lo que tiene. Hay canciones que dejan huella y tal vez la más grande obra del glam, caballito de batalla de muchas bandas y puesta en escena siempre potente, resulta 20th Century Boy. Si no la has oído, corre a buscarla. Si ya la has oído, ponla ya. Esa canción es la base del iceberg. No puedes crecer sin pasar por ella. Fue como Don't you (forget about me) para los 80's. Placebo, Bowie y hasta nuestros bunkers la han hecho suya y a cada uno le sale mejor que al otro. Por ahí decían: ¿qué gracia tiene hacer un cover de una canción que ya es buena? Viejo, 2 cosas: 1. Son las buenas canciones las que gustan de ser tocadas, por lo que costaría fijarse en una mala canción para hacer un cover; y 2. La gracia del cover es que suene igual a la original y cuando eso se logra, la canción deja de pertenecerle al artista, ya es del público para siempre. Yo creo que con Metal Guru, Hot Love, Get it On, Jeepster, 20th Century Boy y Deborah; Marc sabía que eso sería así. Cuesta imaginárselas de otra forma que no sea la original. Este es el sueño del marketero, que la marca sea el estándar del mercado. Marc Bolan seguramente se dedicó a disfrutarlo nada más y cuando se logra estar en estado de enjoy, el resto sale solo. Seguramente, como grupo en complejidad, White Stripes elevado a -10 es lo que fue T. Rex, pero aquí no figuran las fórmulas, sino la calidad del resultado. Bacanísima línea final para T. Rex. Marc, you were the man.

La Anarquía se tomó la Corona

Sex Pistols es una de las eminencias del rock con más pergaminos. Como todo equipo con gracia que viene a figurar en este blog, los Pistols enrolan una de las mayores: haber hecho un sólo álbum, haber ingresado con ese al Rock and Roll Hall of Fame, haber rechazado la invitación y haber insultado a esa institución que los coronó como una banda para la historia. Sobre historia, ya sabemos, está wikipedia. A mi me llama la atención que este grupo venga de la 'realeza' de los Jones. Ya sabemos que hay personajes míticos que cargan con el apellido como David Jones de los Kinks y David Jones / David Bowie. Steve Jones es el vocalista, un tipo al cual nunca le hubieran dado ni cuarto medio aunque hubiesen querido. Claramente el tipo es así porque su vida fue una miseria. La de todos. Los Pistols tenían tanto porqué gritar que no cabía otra opción que no fuese fundar el punk. Si bien el punk ya venía con coqueteos de parte de grupos chicos como Buzzcocks, fueron los Pistols los que le dieron personalidad y desfachatez a la postura. Nada estaba bien, nada era tan bueno como se percibía, nada podía lograrse de manera sensata y por el buen camino; concepciones que no son nada bueno, pero en ese tiempo se creía podían ser mejor. Tal vez fue el punk el primer grito verdadero de que estamos evolucionando en ciertas cosas por mal camino. Por algo hay ese nivel de descontento en ellos mismos. Gritaron hasta que se aburrieron, maldijeron hasta ser odiados, miraron en menos a quienes políticamente debían alabar - todo al revés para mostrar que no todo está OK. Y lo lograron. Sid Vicious es cuento aparte, el reemplazo del bajista original y considerado el padre de padres de bajistas sin saber siquiera tocar. En absoluto. Su puesta en escena consistía en escupitajos, sudor, mal olor y más materia digna de no mencionar. Pero amaban lo que hacían. A tal nivel que dejaron de grabar para tocar en vivo. Sumaron gente como nadie, cuatro singles y un álbum de doce canciones es su reducido legado. Y de ahí en más, paremos de contar. Eso sería. Suficiente para cambiar la historia. Hasta el día de hoy el punk es uno de los ritmos más genuinos y de ahí sale el famoso headbanger, ese meneo de cabezas como si se fueran a desnucar y que nos saca de a poco de nuestra órbita egoísta para tratar de mostrarle al mundo que no son sólo ellos, también estamos nosotros. God save the Sex Pistols!

Control: Cuando la alegría se divide

Ian Curtis es sin lugar a dudas el front-man más piola de los grupos que me gustan. Dirige a un grupo como Joy Division como el anti líder: alguien que no está cuando se le requiere , que no está para apaciguar los ánimos cuando se le cree necesitar, alguien que no existe cuando debiera; pero le mostraba claramente el camino a su grupo con sonidos nuevos para su época como Kraftwerk, le puso el nombre final al grupo y a todos les calzó porque Ian notó que nadie tenía una historia feliz dentro de ese círculo. Ian captó que su baterista, el supuesto dueño del ritmo de la banda, no daba el ancho con el resto de los integrantes y le sugirió ser productor un día antes de su debut luego de haberse inspirado en el mítico concierto de Sex Pistols precediendo a grupos como Buzzcocks y Penetration. Ian es una leyenda del anti rock-star que llegó a ser más grande muerto que en vida. El tipo sufría de depresión endógena por todo lo que conformó su vida entera. Vivió entre pobreza en una zona donde se expropiaron los sitios para hacer una planta de químicos - entonces no había reminiscencias de su infancia, al igual que para el resto de los partners. Ian padecía de una epilepsia que lo superaba y eso ocurría hasta en conciertos. En una ocasión llegó a derribar la batería sin poder controlarlo. Luego de ello, para la próxima venia se autoexiliaría de la presentación y disfrutaría de lo que pudo haber sido una masacre LIVE por su ausencia, todo presenciado desde el backstage. En ese momento Ian empezó a sentir la culpabilidad de existir y la noticia de saber que tocaría en Estados Unidos en una gira extraordinaria y que podría padecer de sus ataques, fue algo que no pudo soportar. En su habitación, luego de una épica película, puso a Iggy Pop de fondo con el disco The Idiot y se quitó la vida en un efectivo ahorcamiento - efectivo porque ya había intentado el suicidio en 2 ocasiones anteriores. La banda dejó sólo 2 registros que escribirían parte de la historia para bandas como The Cure, Siouxsie o hasta los mismos Pistols y de estos registros se rescata el himno dark 'Love will tear us apart again' y clásicos espectaculares como 'Transmission' o 'Shadow Play'. Joy Division abrió la serie de tocatas en vivo en la mítica Factory que dio origen al sello mítico de Tony Wilson, el pionero de este blog. Ver a Ian bailar era un espectáculo. Nadie lo hacía como él, tieso a reventar; pero sus compañeros en vez de guiarse con la batería o los rasgueos de guitarra, observaban su cuerpo y mantenían el ritmo. Banda solidaria con su público, Joy Division fue una de las primeras bandas en subir a personajes locales comunes sin nombre ni apellido reconocido a corear sus canciones sin una pizca de recelo, todo era una fiesta. La banda encontraba su alegría en vivo, mientras la música estuviera sonando. Esos eran los momentos en que sonreían. Una puesta en escena simple y potente. Un público fiel a su simpleza y cómodo con la imagen. A fines de los '70s no había mucho de qué reirse. Se acaba de estrenar Control en Cannes, la triste puesta en pantalla de la historia de uno de los baluartes por derecho propio y que tal vez sólo ahora después de 30 años se esté revolcando en su tumba por estar siendo agitado frecuentemente. Ian, lamentablemente te lo merecías, eras fantástico.